Fotografía y Diseño, no solo de Photoshop se compone el mundo

El diseño gráfico se inserta en el contexto mucho más amplio de las «artes visuales» y, aunque no en todos los casos, produce obras de arte.

El discutido problema acerca de si el diseño es arte o no, resulta complejo de resolver, y más cuando ambos términos no pueden ser definidos de manera completa y definitiva por la variedad de criterios y posturas ante ambos quehaceres.

Aquella idea antigua del Arte como tejné (técnica) o Ars, la idea de hacer las cosas bien (bien realizadas), puede aplicarse a infinidad de cosas y actividades, pero ese no es el sentido que se suele aplicar a las llamadas Bellas Artes. La historia de la clasificación de las artes es un verdadero «quita y pon». En la Edad Media eran siete: gramática, retórica, lógica, aritmética, geometría, astronomía y música. Ciencias y artes combinadas. En el siglo XVIII las Bellas Artes fueron conocidas como pintura, escultura, música, literatura y danza. La discutida arquitectura se metía donde podía. En el siglo XV las obras del escultor eran denominadas «arti di disegno» por utilizar el dibujo.

Es sabido que hay otras manifestaciones consideradas arte como el cine, el teatro o la ópera, que si bien no encuentran una inserción definitiva en las Bellas Artes sí son consideradas como tales. La fotografía entra y sale con mucha facilidad por las puertas de los museos y galerías pero tampoco se define por completo si es arte o no lo es. Los diseños, en particular el industrial se instala en museos importantes como el MoMA (The Museum of Modern Art), y así es posible encontrar sillas, autos, cristalería, e incluso películas animadas dentro de su acervo.

Escuelas como «School of Visual Arts» de Nueva York incluyen dentro de sus estudios Arte por Computadora, el video como arte también es mencionado, y el diseño gráfico dentro de las artes visuales forma parte sustancial de sus planes de estudio.
El arte en su sentido más profundo hace referencia a tener experiencias estéticas, emocionales e intelectuales propias del artista. Quisiera compartir dos definiciones de arte que pueden ayudar a un acercamiento a su comprensión.

«Arte es evocar un sentimiento experimentado y luego por medio de líneas, movimientos, sonidos, colores o palabras transmitirlo a los demás».
León Tolstoi.

«Arte es crear, expresar una idea nacida del espíritu, dándole forma material».

Frederick Schelling.

A mi parecer es correcta la declaración acerca del carácter esencial del arte en ser una «creación del espíritu». En ese sentido agregaría que el diseño gráfico no puede evitar ser también una creación del espíritu ya que el diseñador no es un ser fragmentado que cuando trabaja se olvide de su propio espíritu y pueda deshacerse del mismo.

Encontrar una definición completa y terminada acerca del arte resulta prácticamente imposible. Yo me quedo con la idea de que Arte es todo aquello que hace un artista y lo presenta como obra de arte. Dicen que una palabra no se puede definir con la misma pero ese es un asunto de rigor que prefiero pasar por alto. Ahora, el asunto por resolver es ¿quien es artista? La respuesta sería parecida aquel que hace arte y presenta su trabajo como obra de arte.

No estoy seguro de lo acertado o equivocado de estas definiciones, pero lo que si sé es que me ayudan a definir o delimitar el trabajo del propio artista. En diseño, el asunto estético va implícito en el trabajo y así definimos cuando un trabajo es bello, feo, grotesco, horrible, gracioso. Cuando menciono que arte es todo aquello que hace un artista y lo presenta como obra de arte no estoy diciendo si es buen arte o malo. Esa es una cuestión axiológica, pero lo que es cierto es que hay muchos artistas y diseñadores con distintas y particulares cualidades.

El diseño gráfico no se encuentra dentro de las Bellas Artes, tampoco dentro de las llamadas artes nobles o mayores, no conozco a ninguna persona o grupo de personas significativas que lo ubiquen dentro de las artes de manera definitiva.

Si insistiéramos en que arte es hacer cualquier cosa bien entonces podría llamarse arte a tejer una bufanda, hacer postres, torear e incluso amar (nos es familiar el libro «El arte de amar» de Fromm). Tejer con estambre y ganchos no es considerado como arte pero si lo hace el artista español Joan Brossa sí lo es. El presenta una letra «A» tejida con estambre rojo incluyendo los ganchos y la muestra sobre una superficie de madera. El sentido de la obra es la elevación de lo convencional a la categoría de objeto artístico, asunto que se provoca desde Duchamp. Así, arte puede ser casi cualquier asunto pero debe realizarlo el artista y presentarlo como obra de arte.

¿Por qué la relación arte-diseño?

La característica base del diseño es la utilidad y contiene el valor de la estética. El diseño, al igual que el arte, comunica. Aquello que comunique el diseño gráfico tendrá como fin el que pueda servir, pueda aprovecharse, pueda persuadir, que cause algún beneficio o comodidad. El arte no puede verse privado de la persuasión ni del beneficio estético y puede proporcionar utilidad o provecho estético, espiritual y económico.
El diseño gráfico desde su origen como arte comercial requiere del dibujo, de la pintura, la fotografía y caligrafía para realizar sus imágenes y textos.
La pintura pertenece a las Bellas Artes y es común leer o escuchar que tiene un carácter desinteresado, que no se realiza para un público en especial, que el artista cuando pinta se expresa libremente, que tiene la característica de expresar pasiones, emociones, sentimientos y deseos del propio artista. Esto puede ser verdad pero no generalidad. El artista también puede pintar o hacer arte para un público en especial. Hay que entender que existe un público de élite o un público de vanguardia, de la misma manera que también existen públicos populares. El artista tiene público y clientes: no podemos pensar que Jackson Pollock o Picasso hayan sido desinteresados cuando pintaban o vendían su obra. El cliente del artista puede encargar obras en particular de acuerdo a sus propios gustos e intereses.
El arte no tiene límites. En su historia y en sus diferentes manifestaciones ha producido todo lo imaginable. La pintura se ha realizado desde diversos movimientos o tendencias, con estilos propios y se ha extendido desde la bidimensionalidad a la tridimensionalidad. El arte se ha extendido a la iluminación, al cinetismo, a los efectos ópticos, a los objetos populares y de consumo, a modificaciones quirúrgico plásticas en los propios artistas, a la proyección y al ciberespacio. Un artista como Piero Manzoni podía seriar sus enlatados con el producto de sus propias heces y venderlos a precio de oro.

Al hacer un recorrido por todos los caminos, desde la pintura y las artes, el diseño gráfico ha tenido como referencias  en su quehacer infinidad de imágenes artísticas realizadas de múltiples maneras y éstas le han servido como un muestrario inagotable de posibilidades de expresión para realizar las propias. Así explico la relación arte-diseño. Una relación que tiene tintes de parentesco, ya de consanguinidad.

Artistas y diseño gráfico

Es sabido que hay diseñadores gráficos que pintan y también es conocido que existen connotados artistas que hacen diseño gráfico. Desde Lautrec, Ramón Casas y Alfonso Mucha el arte comercial podía ser realizado por artistas plásticos. Un buen ejemplo de artistas y diseñadores de modas que hacen diseño gráfico lo podemos encontrar en los anuncios del vodka Absolut que resultan ser una verdadera fiesta de colores, de creatividad e imaginación. Warhol o Arman que traza con sus brochas la botella, las fotografías de Helmut Newton para Vogue, la escultura de Lorenzo Quin’s. Diseñadores de interiores, de mesas y sillas, diseñadores de modas participan de manera única en los anuncios del conocido vodka. Cabe decir de paso que esa colección original y única de anuncios comerciales que es producida por artistas y diseñadores es al mismo tiempo una muestra magnífica de imágenes nacidas de conceptos únicos con grandes contenidos de figuras retóricas.

A mi parecer el diseño en general y el diseño gráfico en particular se ha servido muy bien de las artes y pienso que seguirá haciéndolo. Pensamos que hay diferencias sustanciales entre arte y diseño gráfico, sin embargo estas sugeridas diferencias son contenidas por ambas disciplinas. El arte no es por completo desinteresado y sí tiene utilidad, ya sea estética o económica. El diseño por su parte en ocasiones sí es una manifestación del espíritu. No todo el diseño es arte pero si hay mucho diseño que es arte y ya se inserta en museos y escuelas connotadas de las artes visuales. Así, el diseño gráfico sí es arte.

*El artículo publicado corresponde a un ejercicio académico sobre la aplicacion de los conceptos de scannability y readability

Publicado por Paz Salinas.    Articulo original de Jorge Luis Garcia Fabela.

Actualmente el diseño ha adaptado una tendencia a la reutilización de gráficas pasadas e incorporarlas masivamente a piezas gráficas actuales despertando la nostalgia en los receptores.

Personajes del Diseño Gráfico argumentan que la Innovación Estilística ya no es posible, pues todo se ha inventado, pero insisten en que las recombinaciones postmodernas conestilos del pasado pueden conventirse en las bases fundamentales de una genuina coyuntura cultural. Se ha expresado en la revista Print a partir de reflexiones de Tibor Kalman sobre el abuso que se hace de la historia por parte de algunos diseñadores, utilizándola como una manera de legitimar instantáneamente una obra, y además critican la copia y el pastiche, J. Abbott Miller y Karrie Jacobs, plantean en la revista Print: <<[..] la alusión histórica y la copia han sido sustitutos baratos de la falta de ideas>>.

Fredric Jameson establece una distinción entre copia, imitación y original:

El diseño gráfico siempre ha utilizado imágenes “prestadas” especialmente desde la fotografía, artes plásticas, y objetos provenientes de la cultura de masas. En ocasiones las copias que utilizan rebasan la imitación para convertirse en homenajes a los auténticos creadores de los lenguajes visuales de la modernidad. Estas imágenes a veces se retoman para significar mensajes de modos de vida, de espacios urbanos, espectáculos en carteles, folletos, y publicaciones periodísticas. Es el caso de la revista Matiz que aporta un lenguaje gráfico artificioso revalorado en el diseño de los años noventa, para tipificar y documentar diferentes usos estilísticos.

Las variables en su diseño son las mismas: textos, fotografías, dibujos, viñetas, adornos; selección de color, medios tonos, blanco y negro, plastas; texturas. Estas propuestas innovadoras confirman la resignificación iconográfica, en el mutable proceso de la comunicación visual contemporánea

La iconografía del pasado sigue siendo retomada en soluciones conceptuales, en hallazgos al azar, en la obsesión posmoderna por el fragmento y el detalle, en objetos descontextualizados para significar más, para atraer la atención, para denunciar o para vender a través de gráficos y páginas bien diseñadas.

via: Foro Alfa

Este post fue realizado por medio de un encargo de taller Madriaza, especificamente para aclarar los terminos de Scannability y Readability.

Escrito por: Constanza Palma Fuentes