Archivado en: Datos FotoDis | Etiquetas: fotografia y diseño, mal resultado del photoshop, manipulacion de imágenes, photoshop y publicidad
Hoy en día la utilización de programas de edición fotográfica se ha convertido en una necesidad clara para la obtención de imágenes atrayentes que logren cautivar al espectador.
Perfección de la imagen, gracias a la buena utilización de programas de edición.
La manipulación creativa de imágenes es una vía factible que permite a los diseñadores, fotógrafos y publicistas, capturar la imaginación mostrando la realidad transformada de mil maneras posibles. Un recurso que logra entregar una nueva perspectiva al medio, permitiendo mejorar y crear una perfección necesaria en las imágenes de tipo comunicacional. Tomar una imagen y agregarle creatividad se puede lograr gracias a programas como Adobe Photoshop o GIMP, los cuales permiten manipular lo capturado para que el resultado final muestre una visión deseada de la imagen, tanto, por parte del creador como de quien observa la imagen.
Es por lo mismo, que un mal manejo e incorrecto uso de las herramientas de edición, pueden llevar a que una imagen cautivante y realista, pierda completamente sus atributos y credibilidad, transformándose en un desastre a nivel comunicacional. Aquí les presentamos el blog Photoshop Disasters, un sitio muy interesante en el cual se recopilan imágenes que han sido manipuladas en forma errónea en Photoshop, donde en lugar de mejorar, empeoran las imagenes “trabajadas”, prueba fehaciente de que el trabajo de edición de una imagen es un proceso serio que requiere de tiempo, conocimiento y observación, ya que un pequeñísimo detalle, lleva a grandes desastres.
error: Plato sin apoyo, en el aire.
error: Mano sobre el hombro de la modelo
error: Corte del pie de la modelo
Archivado en: Exponentes Nacionales | Etiquetas: cirugía digital, fotografia y diseño, simon Pais-Thomas
A los 17 años tomo sus primeras fotografías, autoretratos que tenían una finalidad, Fotolog. Actualmente, a sus 22 años, es uno de las promesas en la fotografía Chilena. Ya tiene portadas en la revista Paula, Para Ti, Ed magazine, revista Qué Pasa? entre otras.
Su trabajo se caracteriza por plasmar excelentes retratos, los cuales además fusiona con la cirugía Digital, una técnica bastante utilizada para retocar y mejorar principalmente rostros.
Italo Arriaza en una entrevista para la revista Km 0 del diario Publimetro, plantea que: “Es un genio. Tiene los conocimientos de un tipo de 40. Su técnica es buena, muy actualizada y aprovecha el Photoshop para sacarle el 100% de partido a la foto. Los fotógrafos deberiamos empezar a preocuparnos de él.”
Fotografía presentada en su exhibición Tudor.
Portada para revista Blank
caratula CD Francisca Valenzuela
Lo más destacable del trabajo de Simon Pais-Thomas, es la realidad con la que logra retocar sus fotografías en Photoshop, a pesar que la cirugía Digital es un recurso bastante polémico, pues se plantea como un elemento que retira la escencia de la persona, Pais-Thomas logra mantener la naturalidad, a simple vista el rotoque fotográfico pasa a segundo plano.
¿Es realmente necesario una cirugía digital para lograr captar la atención del público, o simplemente una buena Fotografía es aquella que no recibe modificaciones?
Betty Grable
Recuerdo haberla visto entre algún dibujo de Hanna Barbera, de cualquier forma esta imagen dió la vuelta al mundo nada menos que como el icono erótico que motivaba a los soldados estadounidenses en la Segunda Guerra Mundial… les recordaba su casa, claramente.
Por un lado Frank Powolny era un fotógrafo y retratista estable para 20th Century Fox, que vendía sus fotos también a otros medio y que gracias a su trabajo se codeaba con estrellas como Marilyn Monroe. Por el otro, Betty Grable era una de las actrices que generaba más taquilla en esos años y era un icono de la cultura pin – up, además de una de las rubias más deseadas de la época. Esta mujer fue introducida al mundo del espectáculo por su madre, y después de algunas películas entre ellas “Million Dollar Legs” de la cual tomo el apodo, logrando saltar a la fama como la levanta animos de la Segunda Guerra Mundial.
¿Cómo Sucedió?, bueno, le tomaron la fotografía con esta pose en particular, vestida con un traje de baño que fue una provocación indecorosa en ese momento e incluso CASI PORNOGRAFÍA, y 20th Century Fox vió en ella una mina de oro masificando la imagen con el objetivo de llegar a los soldados en el frente de batalla.
¿Por Qué??, motivación de hombres en guerra (jaja). Los tipos iban a luchar a lugares fríos, en donde a veces ni los idiomas eran parecidos, invadiendo territorios, es decir, las mujeres que encontraban los veían como el enemigo. Es por esto, que los batallones bajaban la moral, y se empezaban a enfriar, por ello Tio Sam, les envía esta imagen del pueblo americano que los espera con el mejor de los humores a su vuelta (como triunfadores claro), siendo un incentivo que les recuerda a la patria. En mi opinión, unos “secos” en la estrategia de guerra.
- Testimonio sacado de absolutpinup. blogspot.com
Betty Grable está en su muralla
“Queridísimo hermano:
Llevamos ya 1 año fuera de casa y me parecen diez. ¿Sabes hermano? Sueño con las noches en el Café Janise, las chicas perfumadas y la música de Billy, aquella banda… Hoy nos llegaron revistas nuevas. Recorté una rubia preciosa que guardo entre mis cosas, me recuerda a Mary, la chica de la tienda de zapatos ¿La recuerdas? Siento que estais tan lejos, hermano. Escríbeme pronto. Tuyo,
James.”
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- FASHION PORTRAITS ILLUSTRATIONS COMMISSIONED BY FASHION156
Superlovers es el Portafolio de Justin M. Miller ilustrador freelance y director creativo, en el cual podemos ver su gran pasión: la ilustración, pero además como la fotografía resulta, en su trabajo, pieza base para la creación gráfica.
Se destaca por su gran poder creativo al momento de seleccionar las imágenes a tratar, en donde la incorporación de distintos elementos gráficos, ya sea a nivel vectorial, 3D, o técnicas como breaking apart, logra darle a la imagen un valor totalmente nuevo y distinto del esperado. La fotografía forma parte del inicio de sus creaciones las cuales se ven modificadas hasta darle un nuevo sentido y giro de creación en pos de resaltar sus propiedades y hacerlas más fuertes e intensas a nivel perceptual y comunicativo.
- PROWL. PHOTO: HOLLY BYNOE
Se percibe un gran estilo en la incorporación y juego de los elementos, generando imágenes que se destacan por el uso de colores atrayentes, riqueza de texturas y contextos, que proyectan un instante mágico e imaginario, lo que se traduce en la pérdida del carácter de realismo de la fotografía hasta generar una imagen percibida como irreal.
En este contexto podemos percibir como a través de imágenes reales podemos reformular y construir un mundo totalmente nuevo, enriquecido y complementado con toques innovadores y atractivos al espectador.
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La tecnología avanza a una velocidad vertiginosa, no es ninguna novedad, y la tecnología aplicada a la fotografía digital no es ni mucho menos la excepción. Cada nueva cámara que aparece en el mercado presenta mejoras (a veces sustanciales, a veces insignificantes) en muchos apartados, pero la mayoría de la gente se decanta por un solo aspecto: “cuántos condenados megapixeles tiene la cámara”. Aquí conviene hacerse una pregunta importante ¿cuántos megapixeles realmente necesitamos? ¿cuánto es suficiente? Con las últimas cámaras profesionales de 20 mp o más, el nivel de resolución alcanzado ya llega a cotas que nos hacen preguntarnos si realmente los “upgrades” de las próximas generaciones de cámaras deben venir por el lado de cuántos megapixeles tiene. Me explico, esto es parecido al tema de compresión de audio, puedes tener un formato donde la calidad sea altísima, que no exista ninguna pérdida con respecto a su original análogo por ejemplo, pero comparado con un mp3 de 320kb para el oído humano no existe mucha diferencia (aunque los puristas del audio digan lo contrario) ya que solo podemos captar una fracción de todas las frecuencias y la calidad total del archivo. Esto no significa que las mejoras no sean necesarias, o que semejante cantidad de megapixeles no sea aplicable, nada que ver, pero sí que el nivel alcanzado actualmente ya iguala los resultados (al menos perceptivamente, o visualmente, que es lo importante) de la fotografía análoga de máxima calidad. De todo esto y con mucha más claridad se habla en este artículo How Many Megapixels Is Enough In My Camera? en el excelente blog de fotografía the decisive moment (en inglés).
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El diseño gráfico se inserta en el contexto mucho más amplio de las «artes visuales» y, aunque no en todos los casos, produce obras de arte.
El discutido problema acerca de si el diseño es arte o no, resulta complejo de resolver, y más cuando ambos términos no pueden ser definidos de manera completa y definitiva por la variedad de criterios y posturas ante ambos quehaceres.
Aquella idea antigua del Arte como tejné (técnica) o Ars, la idea de hacer las cosas bien (bien realizadas), puede aplicarse a infinidad de cosas y actividades, pero ese no es el sentido que se suele aplicar a las llamadas Bellas Artes. La historia de la clasificación de las artes es un verdadero «quita y pon». En la Edad Media eran siete: gramática, retórica, lógica, aritmética, geometría, astronomía y música. Ciencias y artes combinadas. En el siglo XVIII las Bellas Artes fueron conocidas como pintura, escultura, música, literatura y danza. La discutida arquitectura se metía donde podía. En el siglo XV las obras del escultor eran denominadas «arti di disegno» por utilizar el dibujo.
Es sabido que hay otras manifestaciones consideradas arte como el cine, el teatro o la ópera, que si bien no encuentran una inserción definitiva en las Bellas Artes sí son consideradas como tales. La fotografía entra y sale con mucha facilidad por las puertas de los museos y galerías pero tampoco se define por completo si es arte o no lo es. Los diseños, en particular el industrial se instala en museos importantes como el MoMA (The Museum of Modern Art), y así es posible encontrar sillas, autos, cristalería, e incluso películas animadas dentro de su acervo.
Escuelas como «School of Visual Arts» de Nueva York incluyen dentro de sus estudios Arte por Computadora, el video como arte también es mencionado, y el diseño gráfico dentro de las artes visuales forma parte sustancial de sus planes de estudio.
El arte en su sentido más profundo hace referencia a tener experiencias estéticas, emocionales e intelectuales propias del artista. Quisiera compartir dos definiciones de arte que pueden ayudar a un acercamiento a su comprensión.
«Arte es evocar un sentimiento experimentado y luego por medio de líneas, movimientos, sonidos, colores o palabras transmitirlo a los demás».
León Tolstoi.
«Arte es crear, expresar una idea nacida del espíritu, dándole forma material».
Frederick Schelling.
A mi parecer es correcta la declaración acerca del carácter esencial del arte en ser una «creación del espíritu». En ese sentido agregaría que el diseño gráfico no puede evitar ser también una creación del espíritu ya que el diseñador no es un ser fragmentado que cuando trabaja se olvide de su propio espíritu y pueda deshacerse del mismo.
Encontrar una definición completa y terminada acerca del arte resulta prácticamente imposible. Yo me quedo con la idea de que Arte es todo aquello que hace un artista y lo presenta como obra de arte. Dicen que una palabra no se puede definir con la misma pero ese es un asunto de rigor que prefiero pasar por alto. Ahora, el asunto por resolver es ¿quien es artista? La respuesta sería parecida aquel que hace arte y presenta su trabajo como obra de arte.
No estoy seguro de lo acertado o equivocado de estas definiciones, pero lo que si sé es que me ayudan a definir o delimitar el trabajo del propio artista. En diseño, el asunto estético va implícito en el trabajo y así definimos cuando un trabajo es bello, feo, grotesco, horrible, gracioso. Cuando menciono que arte es todo aquello que hace un artista y lo presenta como obra de arte no estoy diciendo si es buen arte o malo. Esa es una cuestión axiológica, pero lo que es cierto es que hay muchos artistas y diseñadores con distintas y particulares cualidades.
El diseño gráfico no se encuentra dentro de las Bellas Artes, tampoco dentro de las llamadas artes nobles o mayores, no conozco a ninguna persona o grupo de personas significativas que lo ubiquen dentro de las artes de manera definitiva.
Si insistiéramos en que arte es hacer cualquier cosa bien entonces podría llamarse arte a tejer una bufanda, hacer postres, torear e incluso amar (nos es familiar el libro «El arte de amar» de Fromm). Tejer con estambre y ganchos no es considerado como arte pero si lo hace el artista español Joan Brossa sí lo es. El presenta una letra «A» tejida con estambre rojo incluyendo los ganchos y la muestra sobre una superficie de madera. El sentido de la obra es la elevación de lo convencional a la categoría de objeto artístico, asunto que se provoca desde Duchamp. Así, arte puede ser casi cualquier asunto pero debe realizarlo el artista y presentarlo como obra de arte.
¿Por qué la relación arte-diseño?
La característica base del diseño es la utilidad y contiene el valor de la estética. El diseño, al igual que el arte, comunica. Aquello que comunique el diseño gráfico tendrá como fin el que pueda servir, pueda aprovecharse, pueda persuadir, que cause algún beneficio o comodidad. El arte no puede verse privado de la persuasión ni del beneficio estético y puede proporcionar utilidad o provecho estético, espiritual y económico.
El diseño gráfico desde su origen como arte comercial requiere del dibujo, de la pintura, la fotografía y caligrafía para realizar sus imágenes y textos.
La pintura pertenece a las Bellas Artes y es común leer o escuchar que tiene un carácter desinteresado, que no se realiza para un público en especial, que el artista cuando pinta se expresa libremente, que tiene la característica de expresar pasiones, emociones, sentimientos y deseos del propio artista. Esto puede ser verdad pero no generalidad. El artista también puede pintar o hacer arte para un público en especial. Hay que entender que existe un público de élite o un público de vanguardia, de la misma manera que también existen públicos populares. El artista tiene público y clientes: no podemos pensar que Jackson Pollock o Picasso hayan sido desinteresados cuando pintaban o vendían su obra. El cliente del artista puede encargar obras en particular de acuerdo a sus propios gustos e intereses.
El arte no tiene límites. En su historia y en sus diferentes manifestaciones ha producido todo lo imaginable. La pintura se ha realizado desde diversos movimientos o tendencias, con estilos propios y se ha extendido desde la bidimensionalidad a la tridimensionalidad. El arte se ha extendido a la iluminación, al cinetismo, a los efectos ópticos, a los objetos populares y de consumo, a modificaciones quirúrgico plásticas en los propios artistas, a la proyección y al ciberespacio. Un artista como Piero Manzoni podía seriar sus enlatados con el producto de sus propias heces y venderlos a precio de oro.
Al hacer un recorrido por todos los caminos, desde la pintura y las artes, el diseño gráfico ha tenido como referencias en su quehacer infinidad de imágenes artísticas realizadas de múltiples maneras y éstas le han servido como un muestrario inagotable de posibilidades de expresión para realizar las propias. Así explico la relación arte-diseño. Una relación que tiene tintes de parentesco, ya de consanguinidad.
Artistas y diseño gráfico
Es sabido que hay diseñadores gráficos que pintan y también es conocido que existen connotados artistas que hacen diseño gráfico. Desde Lautrec, Ramón Casas y Alfonso Mucha el arte comercial podía ser realizado por artistas plásticos. Un buen ejemplo de artistas y diseñadores de modas que hacen diseño gráfico lo podemos encontrar en los anuncios del vodka Absolut que resultan ser una verdadera fiesta de colores, de creatividad e imaginación. Warhol o Arman que traza con sus brochas la botella, las fotografías de Helmut Newton para Vogue, la escultura de Lorenzo Quin’s. Diseñadores de interiores, de mesas y sillas, diseñadores de modas participan de manera única en los anuncios del conocido vodka. Cabe decir de paso que esa colección original y única de anuncios comerciales que es producida por artistas y diseñadores es al mismo tiempo una muestra magnífica de imágenes nacidas de conceptos únicos con grandes contenidos de figuras retóricas.
A mi parecer el diseño en general y el diseño gráfico en particular se ha servido muy bien de las artes y pienso que seguirá haciéndolo. Pensamos que hay diferencias sustanciales entre arte y diseño gráfico, sin embargo estas sugeridas diferencias son contenidas por ambas disciplinas. El arte no es por completo desinteresado y sí tiene utilidad, ya sea estética o económica. El diseño por su parte en ocasiones sí es una manifestación del espíritu. No todo el diseño es arte pero si hay mucho diseño que es arte y ya se inserta en museos y escuelas connotadas de las artes visuales. Así, el diseño gráfico sí es arte.
*El artículo publicado corresponde a un ejercicio académico sobre la aplicacion de los conceptos de scannability y readability
Publicado por Paz Salinas. Articulo original de Jorge Luis Garcia Fabela.
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Actualmente el diseño ha adaptado una tendencia a la reutilización de gráficas pasadas e incorporarlas masivamente a piezas gráficas actuales despertando la nostalgia en los receptores.
Personajes del Diseño Gráfico argumentan que la Innovación Estilística ya no es posible, pues todo se ha inventado, pero insisten en que las recombinaciones postmodernas conestilos del pasado pueden conventirse en las bases fundamentales de una genuina coyuntura cultural. Se ha expresado en la revista Print a partir de reflexiones de Tibor Kalman sobre el abuso que se hace de la historia por parte de algunos diseñadores, utilizándola como una manera de legitimar instantáneamente una obra, y además critican la copia y el pastiche, J. Abbott Miller y Karrie Jacobs, plantean en la revista Print: <<[..] la alusión histórica y la copia han sido sustitutos baratos de la falta de ideas>>.
Fredric Jameson establece una distinción entre copia, imitación y original:
El diseño gráfico siempre ha utilizado imágenes “prestadas” especialmente desde la fotografía, artes plásticas, y objetos provenientes de la cultura de masas. En ocasiones las copias que utilizan rebasan la imitación para convertirse en homenajes a los auténticos creadores de los lenguajes visuales de la modernidad. Estas imágenes a veces se retoman para significar mensajes de modos de vida, de espacios urbanos, espectáculos en carteles, folletos, y publicaciones periodísticas. Es el caso de la revista Matiz que aporta un lenguaje gráfico artificioso revalorado en el diseño de los años noventa, para tipificar y documentar diferentes usos estilísticos.
Las variables en su diseño son las mismas: textos, fotografías, dibujos, viñetas, adornos; selección de color, medios tonos, blanco y negro, plastas; texturas. Estas propuestas innovadoras confirman la resignificación iconográfica, en el mutable proceso de la comunicación visual contemporánea
La iconografía del pasado sigue siendo retomada en soluciones conceptuales, en hallazgos al azar, en la obsesión posmoderna por el fragmento y el detalle, en objetos descontextualizados para significar más, para atraer la atención, para denunciar o para vender a través de gráficos y páginas bien diseñadas.
via: Foro Alfa
Este post fue realizado por medio de un encargo de taller Madriaza, especificamente para aclarar los terminos de Scannability y Readability.
Escrito por: Constanza Palma Fuentes
Según Arthur Danto quien señala en su libro <<La transfiguración del lugar común>>, las “meras cosas” a diferencia de las obras de arte, son objetos a los que NO se les puede aplicar un juicio ético y una valoración crítica. Entonces, ¿ el diseño puede dejar de ser una “mera cosa” para formar parte de las artes visuales?
Las artes visuales, término originado en la Bauhaus, son aquellas disciplinas que forman su esencia en la visualidad, tomada no sólo como la capacidad fisiológica de ver sino, en los objetos u obras que se hacen ver debido a un fenómeno estético. Y precisamente aquí el diseño nace como una rama del arte que une lo utilitario a lo estético.
Además las bases de este son la planeación y proyección de lo visualizado, proceso similar al de un pintor o ilustrador, así como también, la primera problemática del diseño es la búsqueda de la belleza como categoría única y universal, y decir que el arte busca la belleza subjetiva y el diseño la belleza utilitaria, es restringir las posibilidades comunicativas de ambas disciplinas.
Uno de los problemas para ser considerado arte, puede ser la falta de estandares en la relación de la estética con el diseño o la consideración de ésta como un agregado a la funcionalidad e inclusive un desdén por la palabra arte.
Esta controversia queda aun más restringida, cuando hablamos de diseño gráfico ya que la estética se hace inherente a la imagen creada, transmite la intención del creador y a la vez es funcional, independientemente de la calidad con que se haga.
Para concluir propongo como ejercicio el cuestionarse ¿Cuál es el cuestionamiento que se les hace a las meras cosas para que puedan dejar de serlo?.
* Este es un ejercicio académico en los que se relacionan scannability y readability tomando un artículo de www.foroalfa.org para Taller Madriaza 2009.
Escrito por: Rocío Verdejo C.
El contexto de cómo percibimos nuestra realidad visual, influenciado por un mundo más acelerado e inmediato por la creciente aplicación de nuevas tecnologías, parecen haber diluido los fundamentos bajo los que se sustenta nuestra comunicación, y más aún visual, en donde el día a día nos exige generar como profesionales gráficas rápidas y efectivas, muchas veces dejando de lado el concepto y fundamentos bajo los cuales se valida la comunicación, es donde nos preguntamos sobre la importancia del contenido y la validación de este bajo un proceso creativo de peso.
Es así que, como diseñadores, debemos detenernos un momento y entender el diseño más allá de su carácter práctico, funcional e inmediato, sino bajo los procesos y códigos propios que la sustentan para que dejen de ser simples proyectos del día a día y logren proyectarse y trascender a través del tiempo; buscarle el rumbo de lo que deseamos y no confundir la utilización de recursos y herramientas con la disciplina y contenido de nuestro oficio.
¿De qué sirve saber utilizar una paleta de colores en algún programa de manera rápida si no sabemos y entendemos sobre la teoría del color? en este sentido ¿de qué nos sirve manejar a nivel práctico las herramientas si no tenemos la capacidad y habilidad de generar nuevas propuestas con contenido y fundamento?, es aquí donde se genera el debate sobre las nuevas tendencias y métodos para producir diseño, que si bien a mi juicio contribuyen a producir diseño de gran nivel e impacto visual, en trascendental tener conciencia que no implica un carácter mágico de producción, sino que se utiliza como recurso, no como sustento y contenido de un proyecto.
En este ámbito es esencial meditar sobre el fin de nuestras ideas y en proyectarlas hasta hacerlas sustentables y efectivas no solo a nivel visual, sino a nivel de lectura, no se trata de hacer publicaciones o gráficas para ser sólo vistas sino también leídas y entendidas, y que ese impacto que genera de manera inmediata, tenga la posibilidad de trascender en la conciencia del espectador.
Si bien la apariencia es importante a la hora de diseñar, es parte final de un proceso, y ese proceso sin fundamento no es más que una imagen sin contenido, que se torna desechable para nuestro mundo a nivel visual y social. Por eso, te invito a “colar” y “matizar” lo que percibes día a día y seleccionar lo que para ti es trascendental en pos de generar comunicaciones visuales efectivas, atractivas, pero fundamentadas y con contenido y rumbo.
* El Artículo publicado corresponde a un trabajo académico de búsqueda y análisis sobre conceptos de scannability y readability aplicados posteriormente a un artículo de FORO ALFA
Artículo publicado por Paulina Bohle
Artículo original de Juan Carlos Darias (Foro Alfa)
El dibujo como habilidad en la era digital tiene más vigencia que nunca, ya no con lápiz y papel, sino con pixels sobre fotos.
El diseño hoy en día tiene una fuerte deuda con el dibujo, técnica y aproximación al aprendizaje de lo visual. Un punto en movimiento traza contornos los cuales son lo principal de la figuración, que lo que define el contraste es su borde, su línea. En conclusión su dibujo.
El dibujo es la conexión de la mano con el ojo, es un talento que se obtiene por medio de la práctica y del trabajo de elementos como la intensidad, el tono, la profundidad del trazo, los cuales permiten entregar calidad al dibujo.
Al buscar las semejanza o parecido que tiene el dibujo con algunas ramas artísticas, como la escultura y la pintura, podemos decir que la escultura es más cercana por la manera en que busca representar el espacio tridimensional, mientras que la pintura se concentra en el color, la textura y la materialidad, algo más de superficie. Ahora bien, involucrándonos en lo que es nuestra área, el diseño, podemos tomar al dibujo como la forma más expedita y concreta de presentar visualmente ideas de algo que no existe y que debe existir en el futuro. Desde un punto de vista más cotidiano, vulgar y desprovisto del aparato crítico, el dibujo posterior a la imagen es algo totalmente funcional, instrumental, de teclado y ratón, para diseñadores gráficos. Existen muchas conexiones entre el dibujo y el retoque fotográfico en Photoshop. Si pensamos que se puede dibujar con tijeras o con otros elementos, podemos también aceptar que retocar una foto es dibujar. Y la calidad de ese dibujo hace toda la diferencia entre una imagen bien clipeada y otra que no: la precisión de un trazo y su capacidad para representar lo que no se ve. Así que debo afirmar que para el diseñador gráfico contemporáneo, el retoque fotográfico le debe al dibujo esa habilidad de trazar, de delinear, de componer.
*El artículo publicado corresponde a un ejercicio académico sobre los conceptos de readability y scannability.
Artículo publicado por Valentina Cociña
Artículo original de Jacinto Salcedo (FOROALFA)
